Concept et Design par COMA Amsterdam / New York An intimate portrait of Avedon’s lifelong engagement with the culture, art, literature, cinema and fashion of France.
en français ici, mais pour ceux qui sont patients, je recommande la version anglaise, beaucoup moins chère.
LARTIGUE, l’élégance photographique
Écrit par Marianne Le Galliard
96 pages, 230 x 210 mm
Éditions Somogy
Un nouveau regard sur les débuts de la photographie de Jacques Henri Lartigue.
À l’orée du XXe siècle, la Parisienne en promenade au Bois de Boulogne symbolise la quintessence de l’élégance. Elle est cet élan de vie qui entraîne tout sur son passage. Fasciné par les dernières nouveautés de mode, les exploits sportifs, les journaux illustrés ou encore les actualités filmées, Lartigue assemble et organise ses photographies au sein d’albums.
Comme dans un film, les mouvements s’enchaînent en séquence : glissades, sauts, galipettes, embardées et dérapages. Ces pages d’albums offrent un spectacle amusant et vivant, l’instantanéité étant sans cesse renouvelée.
L’essai appuyé sur une connaissance rare et minutieuse des albums de Lartigue en dévoile la nature essentiellement dynamique, véritable invention de l’élégance photographique.
…Comme de longs échos qui de loin se confondent
Dans une ténébreuse et profonde unité,
Vaste comme la nuit et comme la clarté,
Les parfums, les couleurs et les sons se répondent…
(Charles Baudelaire, Correspondances)
The Garden : Summer Flower (coll femme 2005-06, robes du soir (Poiret, Mugler), Untitled de Christopher Wool (1993)
« Les parfums, les couleurs et les sons se répondent » aux Arts décoratifs de Paris en ce moment avec l’exposition « Dries Van Noten : inspirations » consacrée au designer belge Dries Van Noten. Il ne reste que peu de jours pour la voir. Heureusement, elle a été prolongée jusqu’au 2 novembre.
Depuis mars, le musée offre une vue singulière sur le travail du créateur sous l’angle de ses inspirations. Issu de l’Académie de la mode d’Anvers dans les années 80 et faisant partie du « groupe des six » (avec Ann Demeulemeester, Marina Yee, Walter van Beirendonck, Dirk Van Saene et Dirk Bikkembergs), Dries Van Noten est réputé pour créer lui-même ses propres tissus et imprimés : « Vous n’imaginez pas combien il est important de déterminer les bonnes bases de tissu, car la couleur n’a pas le même caractère sur de la soie ou sur du coton. »1
L’aspect étonnant de l’exposition tient en deux choses : premièrement les œuvres qu’on y voit : des vêtements des archives Dries Van Noten à côté de pièces « historiques » du musée des Arts déco et surtout d’œuvres d’art de période et provenance différente. Deuxièmement, la présentation qui fait intervenir à chaque fois ces trois éléments sur le même plan. Par exemple, sous le thème « Butterflies » qui présente la collection homme printemps-été 2000, on peut voir un ensemble du soir de Schiaparelli de 1937, un tableau de Johannes Bosschaert de 1627 (Nature morte en panier de fleur renversé) à côté de Rapture de Damien Hirst de 2003 et d’extraits vidéo des films Les chariots de feu de Hugh Hudson et Orange mécanique de Kubrick.
L’exposition comme carnet de notes
Sur deux étages, se succèdent une vingtaine de thématiques (punk, gold, graphic, Francis Bacon, the garden, folklore …) regroupant des œuvres d’art et des vêtements sous forme de petits ensembles traduisant l’inspiration du designer de ses débuts à nos jours. L’exposition n’a rien d’une rétrospective mais plutôt comme l’affirme l’artiste, « d’un travail d’introspection, une réflexion sur moi-même ».2
La scénographie semble isoler chaque « famille » dans une sorte d’intimité. Il y aurait une forme de complicité, un dialogue entre les pièces et cette étrange communion des éléments définirait l’œuvre même de Dries Van Noten par des correspondances d’ordre purement subjectives, tantôt graphiques (gold, graphic) tantôt thématiques (the kiss, the piano, orientalism) :
« Il s’agit juste d’être touché par l’œuvre de quelqu’un d’autre et de la transférer ailleurs, ce qui est aussi subjectif que personnel. Dans mon travail, les influences sont tellement plus nombreuses qu’il serait réducteur de ne montrer que des associations directes, de ne présenter que le vrai Balenciaga ou le vrai Dior »3
En effet, transparait une certaine mobilité dans l’ensemble, comme une mise à plat d’images réunissant des éléments qui pourraient très bien appartenir à d’autres montages. L’exposition prend ici la forme d’un carnet de notes où on y constitue des ensembles, des associations sans lien « directs » évidents. Chaque « lot » se rapproche d’un paysage, mais d’un paysage sans profondeur. En effet, l’absence d’objets en trois dimensions est particulièrement évidente : aucune sculpture n’est présentée à l’exception des vêtements eux-mêmes. Or ceux-ci ne peuvent être vus que sous un seul angle, de face …4 Le regard s’arrêterait donc sur une présentation essentiellement bidimensionnelle, celle d’un grand tableau: « Il fallait donc que nous intégrions également un autre type d’iconographies, comme la photographie, la vidéo, des éléments moins prestigieux pour rétablir l’équilibre »5.
La vidéo, la photographie pour « rétablir l’équilibre »… Pourquoi pas ?
Vidéos et photographies servent un même objectif: elles participent à l’unité de chaque lot. Les vidéos s’insèrent entre les pièces vestimentaires et la photographie, très souvent agrandie, sert de fond de scène. Elle est sol dans la famille « The Kiss » mêlant clichés de Man Ray (Le Baiser de 1923), de Doisneau (le baiser de l’hôtel de ville de 1950), d’Eisenstaedt, de Morrissey ou encore de Wim Delvoye… Elle est arrière-plan : la photo de l’atelier de Francis Bacon par Perry Ogden 1998 ou encore l’autoportrait de Cecil Beaton, 1930. Les vidéos sous différents formats s’insinuent dans l’ensemble, tantôt projetées directement sur la vitre, tantôt sur le fond. Des films de cinéma, des films d’art, des spectacles (Nelken de Pina Bausch (1982), Rain de Keersmaeker (Rosas, 2001))..
Or la 2D caractérise -et ce n’est pas un hasard- le travail de Dries van Noten, davantage porté sur l’imprimé et le tissu que sur l’architecture d’un vêtement. Le choix d’une scénographie insistant davantage sur l’image en 2D plutôt que la sculpture s’avère approprié. C’est en cela que l’exposition se rapproche du cahier de notes, dans lequel les images se succèdent, se confondent pour finalement raconter un processus de création.
Graphic
L’exposition comme processus de création
Car là est l’originalité de l’exposition. L’inspiration est à double-sens. La collection femme printemps été 2010-2011 aurait des analogies avec le fameux Tailleur Bar de Dior de 1947, la Vénus Bleue de Klein de 1963, les films Sueurs Froides d’Hitchcock de 1958 ou encore Howards End de James Ivory de 1992 et aussi les objets contemporains en métal de Cornelia Parker (Alter Ego) de 2010.
Mais l’inspiration peut aussi agir de manière rétroactive : un tableau de Jason Martin de 2012 et une photographie de James Reeve (Lightscapes, 2005) sous le thème Folklore côtoie des pièces de la collection femme de 1998 (aux côtés d’un manteau de femme Pirpiri de Grèce réalisé en 1900, un tableau de Picasso (Taureau, 1945) et une robe de Balenciaga de 1956). Un tableau de Thierry de Cordier (La mer montée de 2011) comme élément constitutif du groupe « The Piano » pour la collection femme printemps été 1999, est présenté à côté de la casserole de moules noires de Marcel Broodthaers de 1968, du film de Jane Campion, La leçon de piano de 1993, un échantillon de broderies de Lesage pour Schiaparelli de 1952 ou encore un vêtement de la collection Worth de 1895.
L’exposition en cela, pourrait avoir deux fonctions : dresser le portrait d’un créateur en dévoilant ses sources d’inspiration diverses, évitant la ligne généralement adoptée de la rétrospective logique et linéaire (d’un point à un autre, suivant un parcours réglé et cohérent) et servir de table de travail pour l’artiste au sein de sa propre création. Point de finalité ici mais plutôt une manière de nourrir la créativité en effectuant cette mise-à-plat d’un travail de plus de trente ans.
Les époques se fondent, se répondent. Le tout s’entremêle, se côtoie dans une joyeuse organisation.
Orientalism : coll femme automne-hiver 2012-13, robe de cour Chine XIXè siècle, manteau du soir 1923, Club de Bernard Frize (2006)
L’exposition comme un bouquet de fleurs, une fête, un moment de joie
« Le point de départ peut être très littéral ou bien abstrait : une peinture, une couleur, la pensée de quelqu’un, un geste, une odeur, une fleur tout finalement. Ce qui importe, c’est tout le cheminement qui se poursuit à partir de ce premier éclair d’inspiration jusqu’à l’objectif final, les vêtements particuliers, la collection. »6
Les images, les couleurs, les formes, les ensembles. Tout stimule notre plaisir purement rétinien. Sous verre, un bouquet de chapeaux à plumes nous fait l’effet d’une cage à oiseaux. Plus loin, un jardin de robes de grands créateurs a été planté avec des pièces de Balenciaga, Nina Ricci, Pierre Cardin… Les murs sont recouverts de parterres de fleurs réalisés par Makato Azuma (spécialement commandés pour cette installation). Des curiosités : comme l’ensemble de bijoux fantaisie d’Iris Apfel, des vitrines de chaussures (les souliers du baron Alexis de Rédé de 1950-1990), les documents graphiques issus de l’atelier de Francis Bacon. Des voyages dans l’espace (Mexique, Espagne..) et dans le temps (d’une robe de cour d’été pour homme de Chine, du XIXe siècle à un tableau de Bernard Frize de 2006) des personnalités (Bowie, Cocteau), des traditions, des matières (or, marbre..)…
The Garden : Feathers
C’est un parcours en intensité qui se fait. Une fête pour l’imagination. C’est joyeux, éclatant, inspiré, chaleureux, drôle, optimiste… L’inspiration peut opérer sous forme d’éclat, et l’exposition, plutôt que de répondre à des questions, fonctionnant alors en vase-clos, s’apparente davantage à un bouquet, qu’on offre, comme ça en passant, juste pour le plaisir des yeux et le plaisir d’offrir…
« Quelque chose se passe ou ne se passe pas. Il n’y a rien à expliquer, rien à comprendre, rien à interpréter. C’est du type branchement électrique. »7
« Dries Van Noten : inspirations » est cela. Radieuse et éclatante. Une fête pour les yeux.
Interview de Dries Van Noten par Charlotte Brunel, L’Express, 3 mars 2014. [↩]
Dries Van Noten, entretien avec Pamela Golbin, http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/mode-et-textile/expositions-70/actuellement-447/dries-van-noten-inspirations/entretien-avec-dries-van-noten-par [↩]
La vitre en verre, l’éclairage directionnel et la disposition groupée ne permettent pas au spectateur de voir les tenues autrement qu’en deux dimensions [↩]
Et puis, durant l'été qui s'accroche aux persiennes,
Dans la chambre, pendant les chauds après-midi,
Tout ce que tu disais et tout ce que j'ai dit…
-La poussière dorée au plafond voltigeait,
Je t'expliquais parfois cette peine que j'ai
Quand le jour est trop tendre ou bien la nuit trop belle
Nous menions lentement nos deux âmes rebelles
A la sournoise, amère et rude tentative
D'être le corps en qui le coeur de l'autre vive;
Et puis un soir, sans voix, sans force et sans raison,
Nous nous sommes quittés; ah! l'air de ma maison,
L'air de ma maison morne et dolente sans toi,
Et mon grand désespoir étonné sous son toit1!
Autrefois, dans cet appartement qui fut la propriété de Marthe de Florian (1864-?), une courtisane de la Belle-Epoque, il y a eu de la vie. Des amants, des dîners, de longues attentes, des heures passées à se coiffer, enfiler les toilettes, celles de l’après-midi pour la promenade au Bois, celle du soir, la robe de bal ou la robe d’intérieur…
Tout est calme maintenant. Presque rien n’a bougé depuis 1942 lorsque la petite-fille de Marthe de Florian, Solange Beaugiron, quitte précipitamment le lieu pour rejoindre la zone libre dans le sud de la France. Cette femme payera le loyer jusqu’à sa mort en juin 2010.
L’histoire a beaucoup circulé à l’époque. Le mystère autour de cette femme qui pendant soixante dix ans ne cherchera pas à revenir en ces lieux, dans le IXè arrondissement de Paris, près la l’église de la Sainte Trinité fascine. Les images sont également saisissantes : l’intérieur fait Belle-Epoque, comme figé dans le temps. A part quelques détails, comme la peluche Mickey Mouse (personnage inventé en 1928) qui laissent imaginer que certaines pièces ont été occupées dans les années trente, tout semble dater de 1900. On a aussi beaucoup parlé du portrait peint par Giovanni Boldini, découvert parmi les objets et jusqu’alors inconnu, représentant Marthe de Florian dans une robe rose éblouissante. Le tableau daté de 1898 (Marthe aurait alors 34 ans…) estimé à 300 000 euros s’est vendu à 2,1 millions…
Mais là n’est pas l’objet de cet article.
Ce qui fascine, c’est d’avoir d’un côté ce portrait peint en couleur par le fameux peintre mondain Boldini, exécuté dans un style véritablement Belle-Epoque, d’une femme dont on ne sait rien et de l’autre des photographies de son espace intime, laissé tel quel (les piles de lettres, les accessoires sur la coiffeuse…) qui surprennent par leur rendu chromatique.
En effet, ces images sont en couleur et le “piqué”, s’il en est, est bien contemporain mais elles semblent avoir été prises à l’époque car rien n’a bougé : les meubles, les objets, les rideaux, les tableaux. Tout semble avoir été laissé sous cloche, en sommeil. C’est un décor d’antan capturé avec un appareil produisant une image “contemporaine”. Réalisées en 1900, elles auraient sûrement été en noir et blanc. Le monde du début du XXè siècle, tel que nous l’imaginons est foncièrement noir et blanc, à quelques rares exceptions près avec l’autochrome. Ces images sont d’autant plus fascinantes qu’une couche de poussière ajoute un ton légèrement grisé, blanchi, homogène. Elle paraissent retouchées. Une fine couche semble recouvrir l’ensemble, telle la poudre de riz que les femmes appliquaient sur leur le visage dans les années vingt pour estomper les marques de fatigue, les traces de vieillesse. De ces images, une réelle beauté émerge, troublante et magique. J’aurais aimé en voir d’autres. Notamment celles de la chambre…
Marthe de Florian était une demi-mondaine. Par la correspondance découverte également sur place, on lui connaît maintenant des amants célèbres : Gaston Doumergue (le 13ème Président de France), Paul Deschanel (11ème Président de France), Georges Clémenceau avant d’être Ministre. Il est dit qu’elle fut actrice, mais son nom n’apparaît dans aucune revue de l’époque, seulement dans le Gil-Blas, à une période précise entre 1893 et 1902. Proche de la comtesse Béatrix de Castillon, comédienne et chanteuse, dont le nom est mentionné dans Le Figaro, Le Monde Artiste, La Lanterne ou encore le Gaulois, celui de Marthe de Florian n’est associé qu’à un seul art, non pas celui du théâtre ou de la chanson, mais l’art de la toilette. Son nom en effet évoque beauté et idéal. Elle côtoie des actrices, des femmes du monde mais il semble qu’elle ait surtout “collectionner” les amants… Une “flirteuse de haute gamme” comme la décrit Le Diable boiteux dans le Gil-Blas du 20 avril 1899. Dans ce journal, l’auteur sous le pseudonyme de Diable Boiteux n’omet jamais une occasion de compter Marthe de Florian parmi les élégantes célèbres du moment. Sa période de gloire dans ce quotidien ne durera que neuf ans, avec un pic de 1898 à 1900. Après 1902, plus rien.
Quand on parcourt les pages du Gil-Blas, on comprend que Giovanni Boldini ait réalisé son portrait en 1898. Elle est alors au faîte de sa gloire. Que fait-elle? Elle fait partie du Beau Monde. Elle se promène dans l’allée des Acacias, aux courses de Longchamp, au Palais de Glace. Elle est conviée à des dîners, dans des salons, chez l’une et chez l’autre. Elle flâne, elle parade. Son périmètre d’activité est finalement très fermé : le Bois, Auteuil et Longchamp, Palais de Glace : voilà les trois lieux parisiens où on peut l’apercevoir…
Sportwoman (en chic pedestrian) , drivingwoman (au volant de sa Renault tonneau), selectwoman (sur le ring d’Auteuil)… Elle a alors tous les attributs d’une femme à la mode. Si l’on voulait résumer les aspects de sa beauté, on la qualifierait, pour reprendre ici les termes trouvés dans le Gil-Blas d'”exquise”, d'”héraldique”, “d’idéale fée blonde”, “de merveilleuse apothéose de la beauté blonde”, de “majestueuse”, d'”impérieuse”, de “Vénus” à partir de 1900 qui serait un sobriquet inventé par le comte S… En 1900 Marthe de Florian est “belle de l’aristocratique beauté des châtelaines, pour lesquelles, on rompait des lances au temps de la chevalerie”.
Mais a-t’elle été photographiée?
Malheureusement la photographie en noir et blanc permet difficilement de repérer l’élégante blonde parmi la foule de mondaines à Longchamp… Après examen d’un recueil trouvé à la Bibliothèque Nationale de France, de la collection Georges Sirot (1898-1977), rassemblant plusieurs clichés de jolies dames pris à Longchamp, pendant les courses, je me suis pris au jeu d’identifier une “possible” Marthe de Florian parmi les promeneuses… De dos sous un soleil éblouissant? Serait-ce elle, cette “beauté héraldique” le bras appuyé sur l’ombrelle? Ou occupée à lire une chronique mondaine entourée de gentlemen attirés eux, par la course?
Où est sa blondeur dans ce noir et blanc?
Nous restent finalement que le décor dans des couleurs “passées” un peu “défraîchies” et le rose de sa robe peinte pour la ramener à la vie…
Anna de Noailles, L'adolescence, dans L'Ombre des jours, 1902 [↩]
