…Comme de longs échos qui de loin se confondent
Dans une ténébreuse et profonde unité,
Vaste comme la nuit et comme la clarté,
Les parfums, les couleurs et les sons se répondent…
(Charles Baudelaire, Correspondances)
« Les parfums, les couleurs et les sons se répondent » aux Arts décoratifs de Paris en ce moment avec l’exposition « Dries Van Noten : inspirations » consacrée au designer belge Dries Van Noten. Il ne reste que peu de jours pour la voir. Heureusement, elle a été prolongée jusqu’au 2 novembre.
Depuis mars, le musée offre une vue singulière sur le travail du créateur sous l’angle de ses inspirations. Issu de l’Académie de la mode d’Anvers dans les années 80 et faisant partie du « groupe des six » (avec Ann Demeulemeester, Marina Yee, Walter van Beirendonck, Dirk Van Saene et Dirk Bikkembergs), Dries Van Noten est réputé pour créer lui-même ses propres tissus et imprimés : « Vous n’imaginez pas combien il est important de déterminer les bonnes bases de tissu, car la couleur n’a pas le même caractère sur de la soie ou sur du coton. »1
L’aspect étonnant de l’exposition tient en deux choses : premièrement les œuvres qu’on y voit : des vêtements des archives Dries Van Noten à côté de pièces « historiques » du musée des Arts déco et surtout d’œuvres d’art de période et provenance différente. Deuxièmement, la présentation qui fait intervenir à chaque fois ces trois éléments sur le même plan. Par exemple, sous le thème « Butterflies » qui présente la collection homme printemps-été 2000, on peut voir un ensemble du soir de Schiaparelli de 1937, un tableau de Johannes Bosschaert de 1627 (Nature morte en panier de fleur renversé) à côté de Rapture de Damien Hirst de 2003 et d’extraits vidéo des films Les chariots de feu de Hugh Hudson et Orange mécanique de Kubrick.
L’exposition comme carnet de notes
Sur deux étages, se succèdent une vingtaine de thématiques (punk, gold, graphic, Francis Bacon, the garden, folklore …) regroupant des œuvres d’art et des vêtements sous forme de petits ensembles traduisant l’inspiration du designer de ses débuts à nos jours. L’exposition n’a rien d’une rétrospective mais plutôt comme l’affirme l’artiste, « d’un travail d’introspection, une réflexion sur moi-même ».2
La scénographie semble isoler chaque « famille » dans une sorte d’intimité. Il y aurait une forme de complicité, un dialogue entre les pièces et cette étrange communion des éléments définirait l’œuvre même de Dries Van Noten par des correspondances d’ordre purement subjectives, tantôt graphiques (gold, graphic) tantôt thématiques (the kiss, the piano, orientalism) :
« Il s’agit juste d’être touché par l’œuvre de quelqu’un d’autre et de la transférer ailleurs, ce qui est aussi subjectif que personnel. Dans mon travail, les influences sont tellement plus nombreuses qu’il serait réducteur de ne montrer que des associations directes, de ne présenter que le vrai Balenciaga ou le vrai Dior »3
En effet, transparait une certaine mobilité dans l’ensemble, comme une mise à plat d’images réunissant des éléments qui pourraient très bien appartenir à d’autres montages. L’exposition prend ici la forme d’un carnet de notes où on y constitue des ensembles, des associations sans lien « directs » évidents. Chaque « lot » se rapproche d’un paysage, mais d’un paysage sans profondeur. En effet, l’absence d’objets en trois dimensions est particulièrement évidente : aucune sculpture n’est présentée à l’exception des vêtements eux-mêmes. Or ceux-ci ne peuvent être vus que sous un seul angle, de face …4 Le regard s’arrêterait donc sur une présentation essentiellement bidimensionnelle, celle d’un grand tableau: « Il fallait donc que nous intégrions également un autre type d’iconographies, comme la photographie, la vidéo, des éléments moins prestigieux pour rétablir l’équilibre »5.
La vidéo, la photographie pour « rétablir l’équilibre »… Pourquoi pas ?
Vidéos et photographies servent un même objectif: elles participent à l’unité de chaque lot. Les vidéos s’insèrent entre les pièces vestimentaires et la photographie, très souvent agrandie, sert de fond de scène. Elle est sol dans la famille « The Kiss » mêlant clichés de Man Ray (Le Baiser de 1923), de Doisneau (le baiser de l’hôtel de ville de 1950), d’Eisenstaedt, de Morrissey ou encore de Wim Delvoye… Elle est arrière-plan : la photo de l’atelier de Francis Bacon par Perry Ogden 1998 ou encore l’autoportrait de Cecil Beaton, 1930. Les vidéos sous différents formats s’insinuent dans l’ensemble, tantôt projetées directement sur la vitre, tantôt sur le fond. Des films de cinéma, des films d’art, des spectacles (Nelken de Pina Bausch (1982), Rain de Keersmaeker (Rosas, 2001))..
Or la 2D caractérise -et ce n’est pas un hasard- le travail de Dries van Noten, davantage porté sur l’imprimé et le tissu que sur l’architecture d’un vêtement. Le choix d’une scénographie insistant davantage sur l’image en 2D plutôt que la sculpture s’avère approprié. C’est en cela que l’exposition se rapproche du cahier de notes, dans lequel les images se succèdent, se confondent pour finalement raconter un processus de création.
L’exposition comme processus de création
Car là est l’originalité de l’exposition. L’inspiration est à double-sens. La collection femme printemps été 2010-2011 aurait des analogies avec le fameux Tailleur Bar de Dior de 1947, la Vénus Bleue de Klein de 1963, les films Sueurs Froides d’Hitchcock de 1958 ou encore Howards End de James Ivory de 1992 et aussi les objets contemporains en métal de Cornelia Parker (Alter Ego) de 2010.
Mais l’inspiration peut aussi agir de manière rétroactive : un tableau de Jason Martin de 2012 et une photographie de James Reeve (Lightscapes, 2005) sous le thème Folklore côtoie des pièces de la collection femme de 1998 (aux côtés d’un manteau de femme Pirpiri de Grèce réalisé en 1900, un tableau de Picasso (Taureau, 1945) et une robe de Balenciaga de 1956). Un tableau de Thierry de Cordier (La mer montée de 2011) comme élément constitutif du groupe « The Piano » pour la collection femme printemps été 1999, est présenté à côté de la casserole de moules noires de Marcel Broodthaers de 1968, du film de Jane Campion, La leçon de piano de 1993, un échantillon de broderies de Lesage pour Schiaparelli de 1952 ou encore un vêtement de la collection Worth de 1895.
L’exposition en cela, pourrait avoir deux fonctions : dresser le portrait d’un créateur en dévoilant ses sources d’inspiration diverses, évitant la ligne généralement adoptée de la rétrospective logique et linéaire (d’un point à un autre, suivant un parcours réglé et cohérent) et servir de table de travail pour l’artiste au sein de sa propre création. Point de finalité ici mais plutôt une manière de nourrir la créativité en effectuant cette mise-à-plat d’un travail de plus de trente ans.
Les époques se fondent, se répondent. Le tout s’entremêle, se côtoie dans une joyeuse organisation.
L’exposition comme un bouquet de fleurs, une fête, un moment de joie
« Le point de départ peut être très littéral ou bien abstrait : une peinture, une couleur, la pensée de quelqu’un, un geste, une odeur, une fleur tout finalement. Ce qui importe, c’est tout le cheminement qui se poursuit à partir de ce premier éclair d’inspiration jusqu’à l’objectif final, les vêtements particuliers, la collection. »6
Les images, les couleurs, les formes, les ensembles. Tout stimule notre plaisir purement rétinien. Sous verre, un bouquet de chapeaux à plumes nous fait l’effet d’une cage à oiseaux. Plus loin, un jardin de robes de grands créateurs a été planté avec des pièces de Balenciaga, Nina Ricci, Pierre Cardin… Les murs sont recouverts de parterres de fleurs réalisés par Makato Azuma (spécialement commandés pour cette installation). Des curiosités : comme l’ensemble de bijoux fantaisie d’Iris Apfel, des vitrines de chaussures (les souliers du baron Alexis de Rédé de 1950-1990), les documents graphiques issus de l’atelier de Francis Bacon. Des voyages dans l’espace (Mexique, Espagne..) et dans le temps (d’une robe de cour d’été pour homme de Chine, du XIXe siècle à un tableau de Bernard Frize de 2006) des personnalités (Bowie, Cocteau), des traditions, des matières (or, marbre..)…
C’est un parcours en intensité qui se fait. Une fête pour l’imagination. C’est joyeux, éclatant, inspiré, chaleureux, drôle, optimiste… L’inspiration peut opérer sous forme d’éclat, et l’exposition, plutôt que de répondre à des questions, fonctionnant alors en vase-clos, s’apparente davantage à un bouquet, qu’on offre, comme ça en passant, juste pour le plaisir des yeux et le plaisir d’offrir…
« Quelque chose se passe ou ne se passe pas. Il n’y a rien à expliquer, rien à comprendre, rien à interpréter. C’est du type branchement électrique. »7
« Dries Van Noten : inspirations » est cela. Radieuse et éclatante. Une fête pour les yeux.
- Interview de Dries Van Noten par Charlotte Brunel, L’Express, 3 mars 2014. [↩]
- Dries Van Noten, entretien avec Pamela Golbin, http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/mode-et-textile/expositions-70/actuellement-447/dries-van-noten-inspirations/entretien-avec-dries-van-noten-par [↩]
- Dries Van Noten, Idem. [↩]
- La vitre en verre, l’éclairage directionnel et la disposition groupée ne permettent pas au spectateur de voir les tenues autrement qu’en deux dimensions [↩]
- Dries Van Noten, Idem. [↩]
- Dries Van Noten, idem. [↩]
- Gilles Deleuze, « Lettre à un critique sévère », Pourparlers, Paris, Les Editions de Minuit, 1990, p. 17. [↩]
